Artiste de la semaine: Rebecca Wallis

Née au Royaume-Uni, Rebecca Wallis a vécu et pratiqué sa passion comme peintre entre Londres et Auckland depuis l'obtention de son premier baccalauréat des beaux-arts en 1988. Son immense talent artistique a été boosté en 1995 par une maîtrise en arts visuels du Goldsmiths College de Londres.

Rebecca provoque, en utilisant l'abject, les expériences allusives du Réel. Elle fait des associations entre le peintre et le corporel pour provoquer l'espace du réel. L'espace alternatif de The Real / Object A, est inspiré à partir des théories psychanalytiques de Julia Kristeva. Les peintures de Rebecca sont conservées dans un certain nombre de collections d'art national importantes, y compris le James Wallace Arts Trust et la collection Walker & Hall.

Imaginaire créatif des artistes

La galerie art Marrakech David Bloch vous présente chaque soir de la semaine des œuvres d'art exquises qui sont créées à partir de l'imaginaire de grands artistes dont l'œuvre est une exploration de motifs naturels. Chaque thèse principale est une étude des formes de l'eau en tant que métaphore des modèles de pensée. À travers la photographie et la peinture, l'art moderne expérimente l'imagerie abstraite inspirée par la nature et sa compréhension intérieure des modèles micro et macro. Les images peuvent être célestes ou microscopiques, c'est la compréhension de "comme ci-dessus, donc ci-dessous".

Certains artistes de la galerie sont diplômés de grandes écoles comme celle du Maryland Institute College of Art avec un MFA en Studio Art. Beaucoup utilisent des techniques expérimentales avec des photogrammes de couleur en chambre noire, en vidéo et en impression grand format. Un vrai artiste ne cesse jamais d'élargir ses explorations à travers la photographie et la peinture. Des séries de peinture de nos artistes résidents sont bien exposées à New York et à des foires d'art à travers le monde.

Créateur de plus de 400 dessins

Rodney Durso est graphiste de profession et fondateur et directeur artistique de Stormhouse Partners, une agence de branding et de design basée à New York. En 2006, alors qu'il travaillait et enseignait comme professeur auxiliaire à la Parsons School of Design, Rodney louait un studio à West Chelsea et commençait ainsi sa transition vers la peinture et les beaux-arts.

Ayant créé plus de 400 dessins, peintures et collages depuis, le travail de Rodney a pris une nouvelle profondeur et une nouvelle signification, mais il est toujours ancré dans un sens aigu de l'organisation graphique, de la couleur, du type et de l'imagerie.

Art suédois à l'honneur

Robert van Bolderick est d'ascendance suédoise et néerlandaise, né à Stockholm en 1968. Il a grandi à Stockholm et à onze ans à Las Palmas de Grand Canarias, en Espagne. Grandir dans le pouls d'une ville cosmopolite comme Las Palmas et son mélange de nationalités lui a donné un intérêt précoce dans les différents pays langue et symboles qu'il utilise dans son art aujourd'hui.

Il travaille en tant qu'artiste principalement dans les médias mixtes qui combine l'acrylique, l'huile, la détrempe, à la praxis du collège, il donne vie aux œuvres d'art avec un scénario onirique et dynamique. Le rythme, le motif et l'équilibre sont importants dans ses peintures. Les images et les fragments de texte se détachent, mais ne donnent pas au spectateur toutes les informations, tout comme les rêves et les souvenirs sont fragmentés et flous, donnent juste un aperçu de ce qui s'est passé.

Une technique artistique spéciale

Le fait de mélanger ses souvenirs d'enfance avec ses fantasmes du futur et les réalités de la vie quotidienne pour créer des tableaux qui sont beaux, intrigants et stimulants. Les peintures sont remplies de personnages fantaisistes vivant dans un monde imaginaire qui semble étrange mais familier. Les personnages ludiques et théâtraux, présentés dans des situations et des humeurs différentes, reflètent les différentes facettes de nos mondes intérieurs et extérieurs.

Michael Papadakis

Je voulais être un voyageur et un artiste, mais je ne voulais pas porter tout le poids dans mon sac:

En 2012, je me suis lancé dans un voyage impromptu à travers l'Asie centrale où j'ai découvert une puissance cachée que je n'avais jamais connue, Patience. Ce pouvoir avait été enfermé à l'intérieur de moi toute ma vie et ce n'est que lorsque j'ai quitté ma zone de confort où il s'est manifesté sous la forme de la lumière du soleil.

Alors, avec une loupe dans une main et un morceau de bois dans l'autre, je me suis laissé guider par le soleil pendant 14 mois sur les hauts plateaux du massif du Pamir, faisant de Sunlight un art pour la population locale. C'était le long de cette ancienne route commerciale officiellement surnommée la "Route de la Soie" où j'ai vécu certains des moments les plus ensoleillés de ma vie. Et ainsi toute l'aventure a commencé ...

Une leçon de l’art contemporain

Dans les méandres de notre inconscient, tout devient relatif, la fusion haute et basse et les catégories éthiques et esthétiques sont floues. Le monde caché entre les rêves et la conscience, entre les ombres et la lumière, est fluide et privé de la sécurité qu'offrent les normes. Dans le clignement de l'œil, ce qui est innocent devient monstrueux et à la fois doté d'un appel mystérieux et irrésistible.

La recherche du mystère est la force motrice du travail de l’artiste. Les caractères androgynes, les insectes nocturnes, les pylônes de pouvoir créent des relations ambiguës dans la nuit lumineuse. Les peintures à l'huile du spectacle traitent de la relation de l'individu avec l'inconscient. Les enfants auto-absorbés, proches de l'animalité, entretiennent une relation tacite avec un environnement naturel modifié qu'ils semblent comprendre comme faisant partie d'eux-mêmes.

Jaybo Monk

Jaybo Monk est un artiste français né en 1968 qui vit à Berlin dans un voyage constant. Avec son stock de souvenirs, il explore le monde et dessine une topographie émotionnelle de sa vie, constituée de fragments visuels à moitié cachés de la mémoire qui sont à la fois révélateurs et intemporels.

Il est un artiste à la fin de l'art, où tout a déjà été peint, où tous les mots ont déjà été parlés, où les conduits viraux d'Internet remplissent simplement le but de la médiocrité, dans lequel l'imitateur copie le réplicateur qui copie l'imitateur et où à chaque étape, une partie de la qualité est sacrifiée. Dans "Running with the Hunted" Jaybo laisse derrière lui le monde des règles; il se révolte contre toute forme de cette ivresse de l'imitation, se rebelle contre toutes les formes d'institution et d'ordre existant. L'artiste suit des idées paradoxales, nées de l'héritage du romantisme, des idées en marge de la folie, orientées sur l'enfance, la nature, les lieux de non-penser. Le résultat est une danse entre le rationnel et l'irrationnel.

Nomen, un artiste unique

Nomen est né à Luanda, en Angola, en 1974. Il est un artiste visuel portugais qui s'est fait connaître en peignant des graffitis et qui est aussi le pionnier de cet art au Portugal.

De plus, Nomen est un artiste autodidacte et son univers artistique a gagné du terrain dans une multitude de matériaux depuis ses premières interactions avec l'espace urbain en 1989. De ses premières incursions illégales sur les murs et les trains, à développer des œuvres sur toile, comme de belles interventions sur des peintures murales à grande échelle, à la fois dans l'environnement expositif et institutionnel.

Nomen est considéré comme polyvalent et prolifique, et il se surnomme "style swinger". Il est reconnu en maîtrisant l'équilibre des formes et des couleurs, qu'il s'agisse d'une construction typographique élaborée avec une dynamique unique, ou de compositions et de portraits photo-réalistes, où il explore la dépuration des éléments.

Découvrez les œuvres de Swiz

Swiz est un artiste français, travaillant à la fois dans la rue et en studio. Ses toiles préférées sont des murs de places et de rues abandonnées dans la banlieue parisienne. Qu'il utilise la peinture en aérosol ou l'acrylique, l'expérimentation visuelle a conduit Swiz à développer un style qui fait écho au grand mouvement futuriste.

Swiz déconstruit élégamment les mots, les liens et les délie de manière à créer une matière alphabétique. Et comme dans un jeu intelligent fait de facettes, tout ce que vous avez à faire est de se concentrer sur l'une de ses œuvres pour trouver la combinaison et déchiffrer le message qu'elle véhicule.

Theo Lopez, un artiste aux aspirations originales

Theo Lopez a investi très tôt dans une démarche artistique. En 2008, sa rencontre avec le collectif d'artistes 9ème Concept l'a incité à prendre un virage pictural décisif. Entouré d'artistes établis et poussé par une curiosité croissante à travers ses nombreux voyages en Russie, en Israël ou aux Etats-Unis, il étend sa vision au-delà de ses aspirations originelles. À 28 ans, il partage son univers artistique singulier à travers un regard acéré.

Style

Au début il a été inspiré par les influences tribales et spirituelles, aujourd'hui Theo Lopez est plus attiré par le style abstrait. Il donne naissance à une multitude d’œuvres avec des motifs et des effets optiques, l'artiste dans sa recherche est poussé par un besoin de revenir aux fondamentaux, à l'essentiel de sa ligne. A l'instar du Musicalisme, des artistes européens d'abstraction lyrique, des expressionnistes abstraits américains ou des contemporains de l'artiste - les graffitistes, il développe une poésie travaillant avec le matériau, la ligne et la couleur.

Art abstrait

Claude Tétot est un artiste abstrait français dont le travail exprime l'harmonie dans la disharmonie en explorant l'unité énigmatique qui peut exister entre des éléments apparemment disparates, tels que des motifs graphiques et des marques gestuelles.

Inspiration

Tétot est inspiré par la recherche d'harmonies inattendues. Il pourrait être placé dans une lignée esthétique avec Hans Hofmann et Shirley Jaffe. Comme Hofmann, Tétot savoure la marque peinte à la main, et est maître de l'expression de la profondeur en permettant aux contrastes entre les teintes et les teintes de parler d'eux-mêmes. Comme Jaffe, Tétot emploie le sol blanc de ses surfaces comme s'il s'agissait d'une expression de forme, et il embrasse sans crainte la cacophonie.

Quand la photographie et l’art se mêlent !

Depuis près de 8 ans, le photographe français Christophe Jacrot développe un projet artistique sur les grandes villes de l'hémisphère nord dans des conditions météorologiques défavorables, à partir d'une approche très picturale et émotionnelle. Paris, Hong Kong, New York, Tokyo ... Prises sur-le-champ, sans mise en scène, les photos de Christophe Jacrot montrent le côté méconnu des mégapoles transfigurées par des pluies torrentielles ou de la neige épaisse. 

Il fait partie d’une élite artistique qui est de plus en plus rare dans le monde de l’art contemporain et des expositions internationales les plus en vue du monde, ses œuvres se caractérisent par un apport personnel qui vise à immerger le spectateur dans un moment de splendeur qui restera à jamais ancré dans votre mémoire !

"Histoires de Tripes"

Ghizlane Sahli présente sa première exposition personnelle "Histoires de Tripes" à la galerie David Bloch à Marrakech du 9 février au 15 mars 2018.

Dans «Histoires de Tripes», Ghizlane Sahli nous invite à un voyage intérieur et organique, sur un thème universel, et nous permet de transcender ce qui exclurait normalement les humains de voir «l'universalité», et son mécanisme sophistiqué et complexe. Une universalité que l'artiste cultive à plusieurs niveaux: tout d'abord, par le choix de ses matériaux - les bouteilles en plastique, le treillis métallique qui les soutient ou la soie qui les recouvre, pourraient provenir de n'importe quelle partie du globe.

Mais aussi, par celle du message: Ghizlane Sahli ne prétend ni ne condamne rien, pour elle, l'appartenance est une prison fragmentée, et une identité, une notion bien trop complexe pour se confiner ou se figer sans risquer l'aliénation. A cela, elle substitue consciemment l'exploration de ce qui est le plus fondamental et le plus commun à l'homme, son origine primitive, nettoyée de tous les stigmates qui en font une distinction ou appartenance culturelle, sociale, religieuse, géographique, raciale ou sexuelle.

Nawer et ses images

NAWER est un architecte, designer et artiste de rue polonais. Il a obtenu son diplôme en architecture et urbanisme à l'Université de technologie de Cracovie et a été impliqué dans la culture de l'art de rue pendant près de 25 ans. Son esthétique artistique unique et prolifique est née de l'envie de réunir l'architecture et les beaux-arts.

Dans son approche très géométrique, NAWER crée des images qui ne sont pas seulement influencées par l'architecture dans laquelle elles sont situées, mais reflètent également une vision des structures urbaines. Quand il peint in situ, son travail intrigue avec son site précis, son travail sur toile est dominé par une satisfaction visuelle presque mathématique.

Une artiste spéciale

À la recherche de l'équilibre entre le passé et le présent, Kelsey Irvin est une artiste dont le travail dégage simplement un sentiment de nostalgie profondément enraciné. Selon sa propre explication, Irvin se retrouve à collectionner des traces de vies déjà vécues, de souvenirs égarés et qui ont besoin d'être reconnus.

Conduit pour donner une nouvelle vie à des objets qui auraient autrement été perdus dans le temps, Kelsey Irvin a passé des années à explorer un large éventail de techniques et de médias - maintenant, après tout le temps et les efforts consacrés à son développement, l'artiste mélange et incorpore le dessin, la peinture et le collage.

Spot light sur un artiste du Brésil

Daniel Melim est un artiste brésilien né en 1979 à São Bernardo do Campo, São Paulo. L'atelier de Melim se trouve à São Bernardo do Campo, la ville industrielle proche de São Paulo dans laquelle il est né et qui est aussi le berceau du mouvement ouvrier brésilien. Melim a étudié la peinture et, en plus de son importante œuvre picturale, il est devenu l'un des principaux (muralistes) contemporains du Brésil. Il participe depuis longtemps à des projets politiques et sociaux dans les communautés de sa ville, incorporant des graffitis dans des processus participatifs et éducatifs.

L'art de Daniel Melim

Depuis l'an 2000, Daniel Melim développe des interventions urbaines en utilisant le pochoir, sauvant ce style, qui est, historiquement, l'origine du "street art" au Brésil. Sa production est caractérisée par la sélection des lieux, recherchant des espaces dégradés qui fournissent de nombreux éléments de composition (couleur, texture, position). Une partie de ces œuvres est située dans les quartiers éloignés de l'ABC Paulista (banlieue de São Paulo), comme le projet Jardim Limpão, atteignant ainsi un public qui a généralement peu accès à l'art.