"Histoires de Tripes"

Ghizlane Sahli présente sa première exposition personnelle "Histoires de Tripes" à la galerie David Bloch à Marrakech du 9 février au 15 mars 2018.

Dans «Histoires de Tripes», Ghizlane Sahli nous invite à un voyage intérieur et organique, sur un thème universel, et nous permet de transcender ce qui exclurait normalement les humains de voir «l'universalité», et son mécanisme sophistiqué et complexe. Une universalité que l'artiste cultive à plusieurs niveaux: tout d'abord, par le choix de ses matériaux - les bouteilles en plastique, le treillis métallique qui les soutient ou la soie qui les recouvre, pourraient provenir de n'importe quelle partie du globe.

Mais aussi, par celle du message: Ghizlane Sahli ne prétend ni ne condamne rien, pour elle, l'appartenance est une prison fragmentée, et une identité, une notion bien trop complexe pour se confiner ou se figer sans risquer l'aliénation. A cela, elle substitue consciemment l'exploration de ce qui est le plus fondamental et le plus commun à l'homme, son origine primitive, nettoyée de tous les stigmates qui en font une distinction ou appartenance culturelle, sociale, religieuse, géographique, raciale ou sexuelle.

Nawer et ses images

NAWER est un architecte, designer et artiste de rue polonais. Il a obtenu son diplôme en architecture et urbanisme à l'Université de technologie de Cracovie et a été impliqué dans la culture de l'art de rue pendant près de 25 ans. Son esthétique artistique unique et prolifique est née de l'envie de réunir l'architecture et les beaux-arts.

Dans son approche très géométrique, NAWER crée des images qui ne sont pas seulement influencées par l'architecture dans laquelle elles sont situées, mais reflètent également une vision des structures urbaines. Quand il peint in situ, son travail intrigue avec son site précis, son travail sur toile est dominé par une satisfaction visuelle presque mathématique.

Une artiste spéciale

À la recherche de l'équilibre entre le passé et le présent, Kelsey Irvin est une artiste dont le travail dégage simplement un sentiment de nostalgie profondément enraciné. Selon sa propre explication, Irvin se retrouve à collectionner des traces de vies déjà vécues, de souvenirs égarés et qui ont besoin d'être reconnus.

Conduit pour donner une nouvelle vie à des objets qui auraient autrement été perdus dans le temps, Kelsey Irvin a passé des années à explorer un large éventail de techniques et de médias - maintenant, après tout le temps et les efforts consacrés à son développement, l'artiste mélange et incorpore le dessin, la peinture et le collage.

Spot light sur un artiste du Brésil

Daniel Melim est un artiste brésilien né en 1979 à São Bernardo do Campo, São Paulo. L'atelier de Melim se trouve à São Bernardo do Campo, la ville industrielle proche de São Paulo dans laquelle il est né et qui est aussi le berceau du mouvement ouvrier brésilien. Melim a étudié la peinture et, en plus de son importante œuvre picturale, il est devenu l'un des principaux (muralistes) contemporains du Brésil. Il participe depuis longtemps à des projets politiques et sociaux dans les communautés de sa ville, incorporant des graffitis dans des processus participatifs et éducatifs.

L'art de Daniel Melim

Depuis l'an 2000, Daniel Melim développe des interventions urbaines en utilisant le pochoir, sauvant ce style, qui est, historiquement, l'origine du "street art" au Brésil. Sa production est caractérisée par la sélection des lieux, recherchant des espaces dégradés qui fournissent de nombreux éléments de composition (couleur, texture, position). Une partie de ces œuvres est située dans les quartiers éloignés de l'ABC Paulista (banlieue de São Paulo), comme le projet Jardim Limpão, atteignant ainsi un public qui a généralement peu accès à l'art.

L’imagerie comme inspiration

Certains de nos grands artistes sont profondément impressionnés et inspirés par la photographie en noir et blanc des vieilles décennies et les histoires derrière ces images, ils commencent leur carrière avec la photographie de film pendant l'été. Bien que beaucoup d’artistes aient commencé leur carrière en tant que photographe autodidacte en prenant des photos d'éléments de la nature, changé pour les gens, ils commencent à tourner leurs amis avec des premiers projets intimes.

Certains artistes sont en effet connus pour leurs grandes fresques noires et blanches incisives qui donnent forme aux mythes contemporains qui sous-tendent une vision critique et politiquement engagée de la réalité et qui se fondent dans le sol, créant un petit effet 3D. Ils peuvent travaille avec différentes techniques et médiums: des illustrations pour des journaux et des magazines aux affiches politiques, des dessins aux animations vidéo / audio. Cette manière de traiter l'orientation dans l'espace et l'appréhension de la proportion provient des études scénographiques théâtrales !   

Technique unique d'abeilles

Certains artistes à la galerie d'art Marrakech David Bloch appliquent de la cire d'abeille naturelle et de la résine à des panneaux de bois, en utilisant un chalumeau pour mélanger de façon homogène les coups de pinceau. Avec une attention particulière au processus lui-même, ils créent des images à travers des accumulations lentes et délibérées de couches de couleurs semi-transparentes.

La lumière pénètre ces couches et devient présente sur le plan de la composition. La chaleur dilue, se mélange et se lie de façon invisible comme chaque couche dans un ton lumineux translucide. L'application et l'enlèvement de matière, dans un processus additif / réductif, permet l'émergence de moments inattendus dans une danse alchimique entre ce qui est dirigé et ce qui est incontrôlé. Il y a une qualité sublime dans ce genre de travail car il crée un environnement de lumière diffuse qui reste minimal et abstrait. L'élément du temps est évident.

Inspiration particulière

Dans son travail, l’artiste en général répond à ses expériences émotionnelles dans son environnement physique. La couleur est son langage visuel principal. Pour lui ou elle, la couleur n'est pas seulement auto référentielle. La couleur concerne également les états émotionnels. C'est une manière d'exprimer le sentiment, de projeter des pensées et d'évoquer les processus naturels de la vie. La galerie est également inspirée par l'écoulement du temps et la superposition des expériences. 

Elle envisage la mémoire et les façons dont la vision du passé change avec l'accumulation du temps. Elle s'intéresse également à l'automatisme. Grâce à des processus inconscients, la galerie a établi des liens entre différentes façons de communiquer, comme l'association de mots spécifiques avec des nuances particulières dans sa série Couleur en tant que série adjective.

Un artiste talentueux se demande toujours s'il existe une corrélation entre notre supposition erronée que nous sommes debout horizontalement et d'autres hypothèses que nous faisons, telles que nos suppositions sur, comme on dit, «l'horizon des émotions».